고대 그리스 연극을 지금 무대에 올리려면 무대와 의상을 어떻게 해야 할까요?

최대한 고대 그리스 느낌이 나게?

고대 그리스라는 배경을 지우고 오늘, 이곳의 이야기로?

둘을 적절히 섞어서?

지금껏 봐 온 그리스 연극이 대부분 이 중 하나일 겁니다.

어떤 건 인상 깊었고, 어떤 건 그냥 그랬습니다. 왜 그럴까요? 여러 요인이 있겠지만 여기서는 차이를 만드는 "무대"와 "의상" 디자인에 집중해 보려고 합니다. 

오랫동안 "좋은 공연"으로 회자되는 프로덕션을 예로 삼았습니다.

미리 말씀드립니다.

아주아주 긴 글입니다.

무대와 의상 디자인은 연극 창작과 수용에 영향을 미치는 극장 “비주얼 시스템”의 일부분일 뿐입니다. 특정 기간, 특정 공간에서 제작되는 특정 공연에 한해 무대와 의상이 제작됩니다. 극장 공간을 이해하는 것은 무대와 의상 디자인에 매우 중요합니다.

모든 공연에서 무대와 의상은 주요 디자인 요소입니다. 연극의 주제, 분위기, 스타일, 감정을 반영하고 역사적, 지리적 배경을 드러냅니다. 디자인은 연출가가 공연의 기본 콘셉트를 정하는 데 결정적일 수도 있고, 반대로 연출가의 콘셉트가 디자인(또는 디자이너)의 방향을 결정할 수도 있습니다. 어쨌든 관객과의 소통에 디자인이 매개가 됩니다. 디자인에 대한 관객 반응은 연출가가 작품의 시각적 요소를 선택하는 데 중요한 역할을 합니다.

디자인은 기호학(기호를 읽는 과학)과 밀접한 관련이 있습니다. 푸코에 따르면 기호학이란 기호의 위치를 구별하고, 기호를 구성하는 것이 무엇인지 정의하며, 기호가 어떻게 그리고 어떤 법칙에 따라 연결되는지 알려 주는 학습과 기술의 총체입니다.

그러니까 연극에서 기호란, 연출가가 처음 희곡을 접한 순간부터 관객이 작품을 다양하게 해석하는 순간까지, 의미가 전개되고 전달되는 방식과 관련 있습니다. 의미 전체를 구성하는 기호를 해석해야 하기 때문에 단일한 기호(무대나 의상 같은)에만 주의할 수 없습니다. 무대, 의상, 조명과 소품 등 디자인 요소를 두루 살펴야 하고 극장 공간, 관객 배치, 연기 스타일, 음악, 포스터 이미지 등 더 포괄적인 그림을 고려해야 합니다.

적절한 무대 디자인은 작품의 핵심 의미를 표현합니다. 무대와 의상 디자인은 단순히 이미지의 조합이어선 안 되고 극의 분위기를 표현하고 퍼포먼스를 강화하고 의견을 제시해야 합니다. 디자인은 극적 행동을 만들어 내고 시각적 형태로 긴장을 유발합니다. 형편없는 디자인, 일관성 없는 디자인은 관객을 실망시킵니다.

의상과 무대 디자인에 돈과 시간을 많이 써야 한다는 얘기가 아닙니다. 어떤 공연은 배경 조성 없이 이루어지기도 합니다. 예산 또는 기술 문제일 수도 있지만 디자이너 또는 연출가의 의도일 수도 있습니다. 단순한 디자인도 제작의 다른 측면과 엄격한 통일성을 유지한다면 엄청난 효과를 낼 수 있습니다. 마크 루커의 <새>(1998) 무대와 의상 디자인(Christopher Barreca, Chigeru Yaji)은 무척 단순했지만 환상적이었습니다. 흰색 풍선 뭉치를 사용해 구름을 형성화했죠. 가정에서 일상적으로 사용하는 오브제를 이용해 새 합창단을 위한 깃털을 만들었습니다.

모든 시각적 요소의 결합으로 감각적 디자인이 형성되고, 극장 경험의 전체 효과가 관객에게 (다양한 방식으로) 해석될 수 있습니다. 이 글에서는 무대와 의상 디자인에 초점을 맞추되 전체 디자인에서 결정적인 역할을 하는 경우 조명과 그 외 특징에 대해서도 언급할 겁니다.

1980년, 유력 매체에서 무대 디자인이 작품 성공에 미치는 중요한 영향에 대해 다뤘습니다.

스타급 무대 디자이너는 드뭅니다. (에드워드 고든 크레이그, 조슬린 허버트, 존 네이비어, 테오니 알드리지, 마리아 비외른손은 예외지만) 극장 비즈니스에서 디자이너의 역할은 하나입니다. 대개 엄청난 권위와 명성이 요구되죠. 프로덕션 중에 연출가와 창의적 의견을 공유한 뒤 지원을 끌어내거나 의견을 조율하고 혹은 거부당하는 과정에서 디자이너의 권위가 결정됩니다. 디자이너가 처음 작품의 “모양”을 시각화할 수도 있고, 연출가로부터 비전을 실현할 수 있게 도와달라는 요청을 받을 수도 있습니다. 디자이너와 연출가가 단일한 비전을 가지고 조화롭게 작업한다면 이상적일 겁니다. 물론 프로덕션 디자인을 최종 결정하는 건 연출가입니다. 

연출가와 디자이너의 긴밀한 파트너십은 수년에 걸친 협업으로 발전하기도 합니다. 연출가 존 바턴은 디자이너 존 네이비어와 오랫동안 협업했습니다. 피터 홀, 토니 해리슨은 디자이너 조슬린 허버트와 함께 멋진 작업 방식을 확립했죠. 직접 디자이너 역할을 수행하는 연출가도 있지만 협업을 선호하는 연출가가 더 많습니다.

대다수 연출가는 리허설 과정에 디자이너와 긴밀히 커뮤니케이션하고 싶어 합니다. 디자이너가 리허설에 참석해 시각적 요소나 블로킹(무대 위 배우들의 움직임) 등에 조언할 수도 있고 실용적인 측면(무대 경사 각도, 무대 위 계단 개수, 의상이 바닥에 끌리는 정도 등)에서 디자인을 의논할 수도 있습니다.

무대 디자이너는 선, 형태, 색, 규모, 균형 같은 시각적 요소들을 조율합니다. 적절한 배경과 소도구를 제공해 배우들이 무드와 분위기를 창출하도록 도울 수 있다면 이상적이겠죠. 배우들의 신체 연기에 적합한 무대를 aod(The Actors of Dionysus)가 제작한 <박코스의 여신도들>에서 확인할 수 있습니다. 무대에 설치한 강철 비계가 디오니소스와 여신도들의 역동적인 움직임을 보조하는 프레임 역할을 했습니다.

좋은 무대 디자인은 극장 공간과 조화를 이루고 의상, 조명과 잘 어우러집니다. 하지만 일부러 의상과 대비되도록 디자인할 수도 있습니다. 무대 디자인은 관객의 미학적 관점에 부합하거나 도전할 수 있습니다. 연출가와 배우가 창의적인 블로킹, 시각화를 수행하도록 돕고 대본의 요구 사항도 충족해야 합니다. 전체적으로는 작품의 예술적 비전을 반영해야 합니다.

따라서 무대 디자이너는(연출가와 함께) 사원, 궁전 앞마당, 해변 같은 특정 장소가 자연스럽게 혹은 사실적으로 또는 정확하게 재현되어야 하는지 고민해야 합니다. 아니면 좀 더 추상적으로(초현실적으로) 해석할 수 있습니다. 자연주의적 요소와 추상적 요소를 모두 사용해도 됩니다. 그럴 경우 극장 공간 자체의 건축적 요소를 전체 구상에 포함할 수 있습니다. 

이 단계의 결정이 작품에 대한 관객의 인상뿐 아니라 배우의 공간 활용에도 영향을 미칩니다. 나중에 잘못이 드러나면 시간과 비용 측면에서 손해가 커지므로 조기에 신중하게 결정해야 할 겁니다.

추상적이면서 자연주의적이면서 건축적 요소를 디자인에 결부한 예는 리빙 픽처스 프로덕션이 제작한 <안드로마케> 무대에서 볼 수 있습니다. 극 행동은 해변을 배경으로 이루어집니다. 모래 뿌린 천을 바닥에 깔아 사실성을 부각했죠. 자연주의적 느낌을 주는데 단순하고 미니멀한 테티스 신전과는 대비를 이룹니다. 심플하게 솟아오른 연단, 흰색 회반죽 헤르메스 주상, 야외의 느낌을 주는 나무가 있습니더. 크게 휘어진 나무는 조명에 따라 그림자가 변합니다. 배우들은 벽을 등지고 연기했습니다. 벽에는 금색으로 테를 두른 이중문(궁전 입구)이 있고 그 외 다른 장식은 없습니다. 

디자인 첫 단계에서 디자이너와 연출가는 중요한 결정을 합니다. 무대가 모노톤이어야 하는지 컬러풀해야 하는지 결정해야 합니다. 컬러 무대로 정했다면 색을 몇 개나 쓸지 선택해야 하죠. 빛과 어둠을 어떻게 교차시킬지도 확정해야 합니다. 무대에 크고 밝고 개방된 공간, 어둡고 고립된 공간을 사용하는 게 적절한지 판단해야 하고요. 디자이너와 연출가는 무대를 평평하게 할지, 비계나 연단을 설치해 단차를 둘지 정해야 합니다. 그래야 무대 전체 그림을 고려해 다른 시각적 요소들의 위치를 결정할 수 있습니다.

그림, 조형, 건축, 기타 수단을 활용해 무대 위 동작 프레임을 설정합니다. 다양한 의미, 분위기, 해석을 전달할 수 있습니다. 가장 중요한 건 프로덕션이 위치한 역사적 시기에 대한 감각입니다. 요즘에는 그리스 연극을 상연할 때 역사적 시기를 특정하지 않는 경우가 많습니다. 연극 평론가 피터 마크스는 데이비드 르보의 <엘렉트라> 무대에 대해 이렇게 말했습니다. 

정확한 역사적 시기를 제시하기도 합니다. 케이티 미첼의 <오레스테이아>는 1940년대 동유럽을 배경으로 재현됐고, aod는 <안티고네> 배경을 중세 후기, 르네상스 초기로 설정했습니다. 블룸스버리 테아트르의 1999년 작 <리스스트라타>는 1920년대 상류 사회를 무대로 하는 반면, 토프 마셜은 <헬레네> 무대를 1930년대 캐나다로 했습니다. 드물긴 하지만 훨씬 구체적으로 시기를 특정한 작품도 있습니다. 미셸 에완스는 <안티고네>의 배경을 1994년 보스니아로 설정했습니다. 

무대는 또한 공간 배경을 제시합니다. 고대 그리스 연극에서 극 행동은 특정 장소에서 이루어지는 게 일반적입니다. 현대극에서는 그럴 수도 있고 아닐 수도 있습니다. aod는 <오이디푸스 왕>을 공연할 때 무대 바닥에 두 개의 대형 지도를 깔았습니다. 관객은 드라마의 무대가 되는 테베, 코린트, 델포이를 정확히 알 수 있었죠.

피터 셀라스의 1993년 작 <페르시안 사람들>은 이라크 걸프전이라는 배경을 분명히 했습니다. 이에 대해 <타임스>의 베네딕트 나이팅게일은 이렇게 언급했습니다.

무대는 궁전, 산악 지대 또는 해변과 같이 특정 장소나 위치를 지시할 수도 있습니다. 에우리피데스의 <이온>을 무대화한 두 개 사례를 보죠. 먼저 1994년 케임브리지에서 처음 제작되어 영국, 그리스를 순회한 <이온> 무대는 모기 더글러스가 디자인했습니다. 아폴로 신전, 거대한 흰색 대리석 페디먼트(사진 1 참고)에 신화적 장면을 정교하게 구현했어요. 인간들이 전차를 모는 말들 사이로 휘청거리고 넘어집니다. 두 번째 사례는 좀 더 큰 무대인데, 1994년 니컬러스 라이트가 로열셰익스피어극단을 위해 디자인한 겁니다.

무대 디자인은 극 행동이 하루 중 언제 진행되는지 알려 주기도 합니다. 이건 고대 그리스 극작가들에겐 별로 중요한 문제가 아니었습니다. 낮에 야외에서 공연해야 했으니까요. 현대 연출가와 디자이너는 자신들의 비전에 부합하는 시간대를 설정합니다. 1996년 제작된 <리시스트라타>(폴 앳킨스 연출 및 디자인)는 극 행동이 하루 동안 진행되는 것으로 설정했습니다. 고대 작품에 계절을 명시한 경우는 드문데 aod가 제작한 <Grave Gifts>(아이스킬로스의 <제주를 바치는 여인들>의 각색)는 몹시 추운 겨울을 배경으로 극 행동이 진행됩니다. 반면 케이티 미첼의 <오레스테이아> 시간 배경은 여름에서 겨울로 흐릅니다.

무대 디자인은 (조명을 비추거나 하는 등으로) 기상 조건을 암시할 수 있습니다. 우렁찬 천둥소리는 비극의 현대 무대에서 흔히 사용되지만 무대 디자인에 기상 조건을 명시하는 경우는 드물어요. 실비유 퍼카레트 제작, 1998년 <아가멤논> 무대를 살펴보죠. 측면 벽에 난 커다란 이중문이 폭풍 때문에 주기적으로 열렸다 닫혔다 하면서 좋은 효과를 냈습니다.

무대는 관객에게 극의 시공간 배경을 지시함과 동시에 작품의 무드와 분위기를 조성합니다. 모든 디자이너는 자신들의 창작물이 적절한 분위기를 조성함으로써 관객을 감동시키길 바랍니다. 무드는 작품의 특징으로 두드러지는 풍경이나 디자인 측면을 상징적으로 사용함으로써 강조되기도 합니다. 예를 들어 퍼카레트의 <아가멤논> 무대는 파란색 사이클로라마(사진 2 참고)를 설치해 황량한 무드를 조성했습니다. 사이클로라마 앞, 궁전 지붕 꼭대기에는 여섯 마리의 검은 독수리 실루엣이 일렬로 자리 잡고 있습니다. 아르고스의 위태롭고 부패한 상황을 상징적으로 보여 주는 이미지죠. 이후 이 프로덕션은 같은 이미지를 계속 사용했습니다. 1986년 에든버러 축제에서 니나가와가 선보인 <메데이아> 무대는 관객에게 강한 인상을 남겼습니다. 야외무대에 신고전주의 양식의 건물을 세웠는데 페디먼트에는 용이 불마차를 이끌고 밤하늘을 누비는 장면이 묘사되어 있었습니다. 니나가와는 이 다채로운 이미지를 통해 메데이아와 태양신 아폴로의 가족 관계를 암시한 것은 물론 자신의 동양적 배경도 강조했죠. (니나가와가 1984년 <메데이아> 초연 무대 영상으로 보기)

디자이너는 무대와 다른 디자인 요소가 결합된 미장센을 통일감 있게 조화시켜야 합니다. 아니면 일부러 충돌시킬 수도 있습니다. 디자인 요소들이 목적에 맞게 상관관계를 맺는다는 건 비주얼 시스템(무대, 의상, 조명, 소품, 포스터 및 프로그램 디자인) 전체가 조화롭다는 의미입니다. 데이비드 르보의 <엘렉트라>는 1994년 보스니아가 배경입니다. 관객이 바로 그 시점, 그곳에서 사건이 일어나고 있다는 것을 받아들이게끔 모든 디자인 요소가 작동해야 합니다. 연출가와 디자이너가 과거와 현재 사건 사이의 불일치를 의도적으로 강조하려는 게 아니라면 여기서 인물들이 고대 그리스 의상을 입고 나오는 건 부적절하죠. 케이티 미첼의 <오레스테이아>는 조화로운 디자인의 극적 효과를 보여 주는 좋은 예입니다. 무대 디테일, 의상, 소도구, 음악 등 모든 요소가 1940년대 동유럽을 상기시킵니다. 캠코더, 마이크 같은 첨단 디지털 기기와 휴대용 카세트 플레이어, 오래된 타자기 같은 기기들을 결합해 새로운 창작물을 만들었습니다. 상이해 보이는 요소들이 결합해 전체적으로 통일감을 형성합니다. 포스터와 프로그램 디자인 등 공연 자체와는 무관한 요소에도 이런 디자인이 적용되었습니다. 프로그램 메인 이미지와 포스터는 1940년대 스타일의 드레스가 짓밟힌 채 해변에 널브러진 모습을 담고 있습니다. 멀리 신발 한 짝이 놓여 있습니다. 어린 이피게네이아의 비극에 관객의 관심이 집중되죠. 프로그램 전체에 산재한 사진들은 그녀의 희생이 정당한지 묻습니다. 아가멤논이 오만하게 궁전에 입성할 때 바닥에 깔린 레드 카펫은 수십 명 소녀들의 피에 젖은 드레스로 만든 겁니다.

1960년대 초부터 무대 디자인은 단순히 모방하거나 재현하는 역할에서 벗어나 공연 전체에 기여하는 필수적인 부분으로 부상했습니다. 특히 그리스 비극의 현대적 공연은 혁신적인 디자인을 선보이며 이런 경향에 부응합니다. 특징을 다음과 같이 정리할 수 있습니다.

물론 모든 작품이 여기 언급한 경우에 해당하는 건 아닙니다.

의상은 관객에 따라 다른 수준에서 해석될 수 있기 때문에 복잡하고 독특한 기호 체계를 형성합니다. 의상은 몸짓, 움직임을 수행해야 하는 배우들에 의해 극 행동에 참여합니다. 또 3차원 요소이기 때문에 공간, 무대, 조명이라는 더 광범위한 맥락에서 해석됩니다. 모든 디자인 요소가 형성하는 맥락 안에서 의상을 활용하고 해석하는 방식이 결정됩니다. 예를 들어 흰색 의상에 빨간색 조명을 비추면 의상이 빨간색으로 바뀝니다. 검은색 배경에 검은색 로브를 입는다면 배우는 거의 눈에 띄지 않을 겁니다.

의상은 전체 비주얼 시스템의 일부일 뿐 아니라 다양한 캐릭터의 개성과 상태를 반영합니다. 따라서 디자이너와 연출가는 개별 의상 하나하나뿐 아니라 공연이 진행되는 단계에 따라 전체 의상이 시각적으로 어떤 의미를 형성하는지도 고려해야 합니다. 리빙 테아트르 프로덕션의 <안드로마케>에서 의상의 주요 색상은 빨간색, 주황색, 갈색, 금색이었습니다. 의상 색상이 합창단과 주인공에게 통일감을 부여했습니다. 안드로마케와 헤르미온느는 다른 색 의상을 착용했습니다. 스파르타 공주 헤르미온느는 부와 허영이 드러나는 밝은 보라색 의상을, 트로이 왕비 안드로마케를 연기한 흑인 배우는 검정색 민소매 가운을 입었습니다. 안드로마케의 검은 피부, 그녀가 착용한 검은색 의상은 헤르미온느의 화려함과 대비되어 날카롭고 단순한 인상을 주었고, 붉은색-주황색-금갈색 사이에서 그녀가 이방인이라는 사실을 부각했습니다. 

연출가는 의상을 제작하기 전에 작품 전체의 비주얼 시스템에서 의상의 중요도를 결정해야 합니다. 의상에 어느 정도 중요성을 부여할 것인가? 연출가는 모든 인물의 의상을 검은색으로 할 수 있습니다. 대본에 쓰인 말, 배우의 신체 특징만으로 캐릭터와 이야기를 끌고 가려는 거라면요. 중의적인 의미를 부여하기 위해 의상에 좀 더 무게를 실을 수도 있습니다. 피터 브룩은 올드빅에서 세네카의 <오이디푸스>를 공연할 때 시적인 언어를 강조하기 위해 배우들에게 검은색 의상을 입혔습니다. 반대로 므누슈킨은 <Les Atrides>를 연출할 때 디테일이 많은 의상을 사용했습니다. 프로덕션에서 의상이 절대적으로 중요하다는 므누슈킨의 관점은 태양극단의 디자인, 제작 이론에 기초하고 있습니다.

므누슈킨은 말합니다.

연출가와 디자이너는 의상을 통해 어떤 정보를 전하고 싶은지 정해야 합니다. 

무대와 마찬가지로 의상 디자인도 연출가가 연극을 제작하기로 한 시점의 역사적 의미에서 출발할 수 있습니다. 많은 연출가와 디자이너가 작품을 고대 그리스 세계에 두기를 거부합니다. <Les Atrides> 제작 과정을 언급하면서 므누슈킨은 이렇게 주장했습니다.

조슬린 허버트는 국립극장에서 <오레스테이아>를 제작할 때를 회상하며 이렇게 말했습니다.

의상으로 공간 배경을 강조할 수 있습니다. 지방색이 있는 의상이라면 무엇이든 캐릭터가 이방인이라는 걸 지시할 수 있습니다. 미첼의 <어둠의 딸들>(<오레스테이아> 후반부)에서 오레스테스와 필라데스는 전형적인 시칠리아 갱스터 의상을 착용해 이방인이라는 걸 드러냅니다. 아리스토파네스의 <리시스트라타>에서 스파르타인인 람피토는 아테네 여성들과는 다른 의상을 착용합니다. 

의상의 주요 기능 중 하나는 캐릭터의 성격을 보여 주는 겁니다. 옥스퍼드 플레이하우스에서 제작한 <아울리스의 이피게네이아>의 어린 공주는 짧은 드레스와 디테일이 있는 흰색 베일을 착용했습니다. 웨딩드레스 같은 의상 때문에 그녀가 신부처럼 보였죠. 동시에 흰색이 그녀의 순수함을 강조했습니다. 클리타임네스트라는 녹색 새틴 가운을 입었습니다. 오페라 디바 같은 모습이었습니다. aod의 <Grave Gifts>에서 클리타임네스트라는 노출이 있는 섹시한 빨간색 드레스를 착용해 그녀에 대한 고정된 이미지를 연출했습니다. 반면 미첼의 <오레스테이아>에서 클리타임네스트라는 밝은 빨간색 양귀비가 프린트된 1940년대 후반 디올 스타일의 여름 드레스를 입어 우아하면서도 겸손한 이미지를 연출했습니다. 이 의상은 여왕의 야심찬 성격, 열정적이고 무자비한 면을 감추기 위해 고안된 것입니다. 바턴의 <그리스 비극>에서 허영심 많고 자기중심적인 헬레네는 이집트에서 지낼 때 노란색 수건, 선탠로션, 선글라스 외엔 없었습니다. 이 단순한 의상은 헬렌의 나르시시즘과 나태함을 전달하고 이야기를 현재 시점에 배치했습니다. 노란색 수건, 선탠로션, 선글라스는 동시에 헬렌의 사회 경제적 지위를 강조했습니다. 빈부, 혹은 위장된 빈부가 이 의상을 통해 효과적으로 포착되었습니다. 주얼리나 화장, 헤어 스타일 같은 것들이 큰 차이를 만듭니다.

의상 디자인은 또한 캐릭터의 감정 변화를 전달해야 합니다. 클로이 프로덕션의 <페르시아 사람들>에서 아토사는 처음엔 밝고 화려한 가운을 입고 나오는데 나중에 페르시아의 패배 소식이 전해졌을 때 애도의 뜻으로 검은색 의상을 입었습니다.
의상은 극이 진행되는 장소의 계절과 기상 조건에 대한 정보를 제공하고 하루 중 시간을 나타내기도 합니다. 이런 디테일은 디자이너가 어떤 소재를 사용했는지, 장식을 사용했는지, 어떻게 재단했는지, 어떤 옷들과 겹쳐 입는지 등을 통해 표현될 수 있습니다. 케이티 미첼의 <The Home Guard>는 여름을 배경으로 합니다. 계절감을 살리기 위해 클리타임네스트라는 가든파티용 여름 드레스와 흰색 장갑, 흰색 스틸레토 구두를 착용했습니다. 폴 앳킨스의 <리시스트라타>는 극 행동이 하루에 벌어지는 것으로 설정했습니다. 아테네 여인들은 이른 아침 잠옷 차림으로 등장해 연극이 끝날 무렵에는 헐렁한 이브닝드레스를 입고 나옵니다. 조명 디자인에도 시간 변화가 반영되었습니다.

의상으로 남성성과 여성성을 효과적으로 표현할 수 있습니다. 극장 바벨의 <엘렉트라>에서 엘렉트라는 무거운 외투와 군화를 착용했습니다. 남성적인 군복 때문에 엘렉트라는 결혼 생각이 전혀 없는 미혼 여성으로 보입니다. 반면 그녀의 여동생은 소녀 취향 드레스, 액세서리, 샌들을 착용했습니다. 성적으로 성숙했지만 언니가 결혼하기 전까지 처녀로 살도록 강요받는 젊은 여성의 딜레마가 드러납니다. 이를 위해 디자이너는 성숙한 배우에게 캐릭터보다 어려 보이도록 입혔습니다.

의상 스타일과 목적을 정한 뒤 디자이너는 개별 및 전체 의상의 소재를 선택해야 합니다. 거친 소재는 가난과 야만성을 표현하는 데 적합합니다. 반짝이고 매끄러운 소재는 부와 권력, 섹시함을 표현하는 데 좋습니다. 의상을 준비할 때 액세서리, 가발, 주얼리, 메이크업 같은 디테일도 함께 고민해야 합니다.

그리스 연극을 공연할 때 의상에서 고려해야 할 다른 하나는 마스크 착용 여부입니다. 고대 그리스 연극에서 마스크는 필수지만 현대 공연에서 마스크를 사용한 예는 드뭅니다. 고대 그리스 연극을 전문으로 하는 런던 소재 극단 클로이 프로덕션은 마스크를 사용합니다. 반마스크이긴 하지만 고대 양식을 충분히 살렸습니다.

피터 홀의 <오레스테이아>에서는 모든 배우가 마스크를 착용했습니다. 조슬린 허버트가 디자인했고 오랜 시간 공들여 만들었습니다. 

전면 마스크는 배우가 얼굴이 아닌 몸의 움직임에 집중하도록 만듭니다. 마스크를 착용하면 얼굴의 움직임은 불필요합니다. 대신 그 에너지를 신체 다른 부분에 사용하게 됩니다. 노, 발리 연극 등 동양의 다른 연극도 마스크를 사용하는데 주로 메이크업 마스크입니다. 일본 가부키, 중국 경극은 정교한 메이크업 마스크를 사용합니다. 므누슈킨은 셰익스피어 대작에서 일본 노 가면과 동양 스타일 메이크업을 사용했습니다. <Les Atrides>를 제작할 때는 마스크 사용을 피했습니다. 대신 카타칼리 스타일의 메이크업을 선택했습니다. 카타칼리 스타일 메이크업은 마스크만큼이나 전형적이고 상징적입니다. 검은색 화장을 한 캐릭터는 사악하고, 녹색 화장을 한 캐릭터는 선한 영웅입니다.

그리스 연극을 현대화한 무대에서 의상 디자인은 매우 중요합니다. 타이로프가 말했죠, “의상은 배우의 두 번째 피부”라고. 현대 연극에서 의상은 다양한 기능을 수행합니다. 모방과 기호 전달 차원을 넘어섰죠. “좋은” 의상은 전체 공연과 상호작용하며 그 의미를 변화시킵니다. 프로덕션이 변함에 따라 의상 운용도 바뀝니다. 미첼의 <페니키아의 여인들>을 스트랫퍼드 아더 플레이스(Other Place)에서 본 관객과 런던의 피트(Pit)에서 본 관객은 완전히 다른 의상 세트를 보게 됩니다. 두 공연 사이에 미첼은 눈에 띄지 않는 몇 가지 미묘한 변화를 시도했거든요.

이외에도 리바이벌 준비 과정에서 디자인 수정이 이루어진 사례는 많습니다. 디자인이 변화하고 적응하는 실체이자 배우의 연기만큼이나 프로덕션 과정에서 변경 가능한 창의적 표현이라는 방증이죠.

고대 그리스 연극을 현대적으로 연출하기 위해 연출가가 사용하는 비주얼 시스템은 다양한 의미를 형성합니다. 전경과 의상은 단순하게 아니면 정교하게? 색은 밝게 또는 어둡게? 극장 공간의 크기, 조명, 무대와 의상 디자인은 프로덕션의 의미, 관객의 작품 해석에 영향을 미칩니다. 무대와 의상은 개별적인 시각 요소지만 전체 디자인을 위해 조화되어야 합니다. 연출가는 분리된 요소를 조율해 전체로 아우르고 연기, 음악, 춤 같은 다른 공연 측면과 결합합니다. 그러면 관객은 연극 담론의 핵심 언어 중 하나로서 공연의 시각적 차원을 받아들이고 읽고 해석하게 됩니다.