의상 디자이너의 하루는 길고 고됩니다. 프리 프로덕션(pre-production) 과정에서 대본을 읽고 메모를 하고 프로젝트의 줄거리, 톤, 전체적인 설정을 파악합니다. 의상 제작 스태프의 일상 업무를 책임지고 전체 일정과 마감일을 조정합니다. 배우와의 피팅을 진행합니다.

• 분석 : 대본을 분석하고 연출가와 대화합니다. 룩을 디자인하기 전에 레퍼런스를 모읍니다. <라라랜드>, <인디아나 존스: 크리스탈 해골의 왕국>, <버스터 스크러그스의 발라드> 의상을 담당한 디자이너 메리 조프레스는 이 과정이 지면에서 시작된다고 말합니다. 그녀는 “대본을 읽고 해석하는 것”이 자신의 일이라고 말합니다. 의상 디자이너는 대본을 읽으면서 이렇게 자문해야 합니다.
  이 사람은 무엇을 믿나?
  조직적인가?
  재정 상황은 어떤가?
  어디서 쇼핑을 할까?
• 연구 : 대본을 읽고 창작진과 논의한 뒤에는 관련 패션의 역사와 트렌드를 조사합니다. 시대극이라면 의상은 과거를 정확히 반영해야 합니다.
  관객을 극에 몰입시키려면 구체적인 연구가 필요한데 그 정도에 한계는 없습니다. SF 장르일 때 특히 그렇습니다.
  현대 작품이라면 디자이너는 이야기가 펼쳐지는 배경 속 문화와 분위기를 파헤쳐야 합니다.
• 디자인 : 디자이너가 조사하고 준비한 결과를 창작진과 공유하기 위해 무드보드를 제작합니다. 이때 적합하다고 판단한 의류, 소재, 패턴 스케치, 패브릭 샘플 등을 활용합니다.
• 계획 : 그런 다음 스케치나 디지털 렌더링(디지털로 구현한 사실적 이미지)으로 캐릭터와 장면별 의상 플롯을 구현해 관계자들에게 보여 줍니다. 예산이나 여러 제작 여건에 따라 초기 구상은 조정될 수 있습니다.
• 제작 : 아이디어가 통과되면 디자이너가 배우들의 모든 의상과 액세서리를 직접 제작하거나 기성품으로 조달해야 합니다. 유념할 것은, 이 모든 과정에서 의상이 배우가 캐릭터를 이해하는 데 도움이 되어야 한다는 겁니다. <로켓맨>, <보헤미안 랩소디> 의상 디자이너 줄리언 데이는 말합니다. 
  “배우가 피팅에 들어가면 캐릭터를 찾도록 도와야 합니다.”

• 창의성 : 드로잉에 능숙해야 합니다. 강한 창의적 본능을 가져야 합니다. 디테일에 관심을 가져야 하며 색상, 디자인에 대한 이해가 높아야 합니다. 8회 오스카상 수상자인 에디스 헤드는 의상 디자이너가 “배우를 본래 모습이 아닌 다른 사람으로 바꾸는 환상을 만들어 낸다”고 말합니다. “우리가 하는 일은 대중이 화면에서 배우를 볼 때 다른 사람으로 믿도록 하는 겁니다.” 의상 디자이너는 캐릭터가 착용한 옷을 통해 자신이 누구인지 시각적으로 드러내도록 합니다.
• 연구 : 의상 디자이너는 역사, 영화 제작, 사진, 문학, 건축, 글쓰기, 캐릭터 개발, 스토리 구조에 대한 연구에 헌신함으로써 배경에 맞는 의상과 액세서리에 대한 광범위한 지식을 구축할 수 있습니다.
• 협업 : 수백 가지 다양한 작업과 마감일을 파악하고 있어야 하며 재빨리 문제 해결 방법을 제시할 수 있어야 합니다. 압박을 견디며 일하는 게 불가피하죠. 
• 커뮤니케이션 : 업무의 주는 창작 및 제작진과의 긴밀한 협업, 심층적인 대화입니다. 메리 조프레스는 말합니다. “연출과 배우, 제작진, 디자이너, 촬영팀과 긴밀히 일합니다. 나중에 음향, 로케이션 팀과도 일하게 됩니다. 영화는 다양한 부서 간 협업으로 제작되니까요. 특히 연출가와 좋은 관계를 유지하려고 노력합니다. 하지만 제 일은 배우들이 캐릭터를 이해하고 캐릭터에 몰입하도록 돕는 겁니다. 그래서 배우와의 관계도 중요하죠.”

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